El informalismo
Bajo el nombre del informalismo se han agrupado una serie de
tendencias, más o menos afines, como el Expresionismo Abstracto o Pintura de Acción, el Arte
Informal, la Pintura Sígnica y el Arte Matérico, que, tanto en Estados Unidos
como en Europa, se desarrollaron entre mediados de los años cuarenta y
principios de los sesenta.
Por informal se entiende la ausencia total de formas
reconocibles, tanto figurativas como geométricas, y un acercamiento a lo que los críticos han
denominado “modelo caógeno”, es decir, un modelo surgido del caos. Se trata de
un movimiento artístico que toma como principal fuente creativa la exaltación
de los recursos aparentemente irracionales utilizados por el artista para
realizar su obra. El término Informalismo surgió en 1952 con motivo de la
exposición titulada “Signifiants de L’informale”, organizada por Frank Michel
Tapié en el Studio Facchetti.
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| Frank Michel Tapié |
El Arte después de la Segunda Guerra Mundial
Entre 1945 y 1947, un grupo de jóvenes artistas
estadounidenses expusieron sus obras en la Art of This Century Gallery de Nueva
York, espacio en el que los artistas europeos exiliados en Estados Unidos,
realizaban sus actividades. La presencia de los maestros europeos confirió a
estos jóvenes la confianza necesaria para considerarse dentro del ambiente
artístico de su época. Estos artistas estadounidenses eran: Robert Motherwell,
Jackson Pollock, William de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Archyl Gorky y
Mark Toby, entre otros.
El Expresionismo Abstracto
Robert Coates, crítico de arte del periódico “The New
Yorker”, dio el nombre de Expresionismo Abstracto a un nuevo movimiento surgido
a partir del interés mostrado por algunos de estos artistas hacia el
expresionismo alemán de principios de siglo. Sin embargo, el término no debió
de resultar del todo convincente, debido a su ambigüedad, además de que había
sido utilizado por A. Barr en 1929 para referirse a las primeras obras
abstractas de Kandinsky; Harold Rosenberg inventaría más tarde el de Action Painting, término que hace
referencia a la técnica pictórica gestual desarrollada por gran parte de los
exponentes del Expresionismo Abstracto.
El desarrollo de esta corriente estaba muy lejos de ser
estilísticamente uniforme, pues no constituyó un movimiento o escuela en
sentido estricto, ya que cada uno de sus representantes adoptó características
particulares; a pesar de ello, es posible distinguir cuatro direcciones o
facetas dentro de esta tendencia:
- La gestual o de acción de Pollock y De Kooning.
- La Sígnica o caligráfica de Kline y Toby.
- La de los logic color painters, es decir, al del espacialismo cromático de Rothko, Still, Motherwell y Newmann.
- La surrealista de Baziotes, Gorky y De Kooning.
Los dos aspectos más llamativos del Expresionismo abstracto
son la acción y el espacialismo cromático, con sus grandes superficies de
color. Para Harold Rosenberg, la acción constituía un método, no tanto un
estilo, que afirmaba la primacía del acto creador, es decir, del acto físico de
pintar, que utiliza el lienzo no como el lugar abstracto sobre el que se
objetiva la representación de un espacio y una figura ya concebidos de
antemano, sino como el medio en el que la actividad corporal se materializa o
se ejercita de forma pura. Las enormes dimensiones de los lienzos posibilitaron
que el pintor e involucrara en su totalidad en el acto creativo, lo que
modificó sensiblemente las técnicas de pincelada, esto es, que el movimiento de
muñeca o de brazo, característico de la pintura anterior, dio paso al
movimiento corporal. En 1947, Pollock abandonó las pinceladas para derramar las
pinturas directamente sobre el lienzo, técnica a la que llamó dripping.
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| Jackson Pollock |
El Pop Art
El Pop Art es un movimiento artístico iniciado en Estados
Unidos hacia el año 1960 en las ciudades de Nueva York y Los Ángeles, a partir
de temas abordados en los años cincuenta por algunos artistas ingleses,
especialmente Richard Hamilton. El nombre de esta corriente fue empleado por
primera vez por el crítico Lawrence Alloway, en 1954, para referirse al “arte
popular” creado por la publicidad de masas.
En la pintura de Richard Hamilton se hacía una
representación de los objetos que más adelante constituirían el repertorio de
las imágenes más sobresalientes de la sociedad de consumo, y en donde aparece
de forma destacada el término “pop”. El repertorio temático, extraído
fundamentalmente del fenómeno de la propaganda industrial, de la tecnología y
de la ciencia ficción, se componía de autos cromados, aviones, anuncios
fluorescentes de grandes comercios, tipografías chillonas, imágenes de
boulevares, imágenes de estrellas de cine, comics, etc. Las técnicas utilizadas
por los artistas del Pop art fueron totalmente libres, desde el collage, el
frottage y el assemblage, hasta las técnicas pictóricas y escultóricas
convencionales.
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| Richard Hamilton |
En Estados Unidos el Pop art se arraigó de una manera
especial y significativa, adquiriendo su pleno desarrollo a partir de la década
de los sesenta. El movimiento no fue bien acogido en un principio por parte de
la crítica norteamericana, pues daba la sensación de que los artistas Pop
echaban por tierra los logros alcanzados en la década de los cincuenta por los
llamados expresionistas abstractos, autores del primer estilo de creación local
que conseguía un papel internacional destacado.
A pesar de la resistencia y de las dudas iniciales, el Pop
art acabó por implementarse y consiguió llegar al público, e interesar a los
grandes coleccionistas y comerciantes de arte neoyorquinos, entre los que se
contaba Leo Castelli, el hombre que más apoyo a los nuevos artistas.
Muy pronto, el Pop se convirtió en uno de los elementos imprescindibles
para hacer frente al entorno urbano norteamericano; las grandes ciudades
americanas, con su acumulación abigarrada de objetos, arquitectónicos o
publicitarios, constituyeron el telón de fondo y la más importante fuente de
inspiración de este movimiento artístico.
Entre los artistas norteamericanos más representativos del
Por art podemos mencionar a Robert Rauschenberg, Jasper Jhons, C. Oldenburg,
Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Tom Wesselmann y James Rosenquist. Cada uno de
estos artistas se diferenciaba de los demás por lo distinto de sus lenguajes, o
bien por lo diverso de los materiales y las técnicas empleadas en sus obras.
El Arte Conceptual
A mediados de los años sesenta se sitúa el inicio de un
amplio movimiento artístico, abierto a toda la posibilidad plástica y
extremadamente radical, denominado Arte conceptual. El término fue acuñado por
el artista californiano Edward Kienholz y, sobre todo, por Sol Lewitt, quien en
1967 hizo la primera interpretación teórica del movimiento. Incluye una amplia
gama de actividades artísticas de muy diversas y difíciles categorías, desde
complicados juegos lingüísticos y semióticos hasta fenómenos ecológicos y
minimalistas.
El Arte Conceptual es una tendencia artística que pone
énfasis no en su concreción física o material, sino en sus planteamientos
teóricos o conceptuales. La creación artística es completada, no tanto desde la
configuración de un objeto físico al modo tradicional, sino desde la
perspectiva de su propio proceso generativo o formativo. El Arte Conceptual
desplaza la atención centrada en el objeto artístico hacia la idea o hacia el
proyecto del mismo. En el Arte Conceptual la idea se convierte en el motor para
la producción de la obra artística. Una consecuencia de todo ello fue la
utilización de términos o etiquetas como “proceso” y “sistema”, empleados con
frecuencia en la reflexión de dicho arte.
Algunos autores han agrupado a los artistas conceptuales en
tres tendencias:
- La lingüística y tautológica, también llamada pura, caracterizada por la eliminación del objeto, empleo del lenguaje en el sentido analítico fijado por el pensamiento neopositivista lógico y por la filosofía semántica americana, así como por la utilización de fórmulas tautológicas, es decir, donde se repite un mismo pensamiento por medio de distintas palabras o símbolos y por su aspecto autorreflexivo; en esta tendencia se encuentran J. Kosuth, Terry Atkinson, David Brainbridge, Michael Baldwin, Ian Burn, On Kawara y otros.
- La empírico-medial, que reivindica tanto la imagen como la percepción, y que acepta una cierta forma de realización centrada a la acción; sus representantes más destacados son Sol Lewitt, D. Buren, R. Long, Chris Burden, Hans Kaacke y otros.
- La mística, tendencia que aparece más vinculada al pensamiento oriental (Zen) y a ciertos procesos de iniciación, con un extremado subjetivismo y un marcado abandono al inconsciente; sus principales exponentes son On Kawara y Joseph Beuys.
Algunas manifestaciones del Arte Conceptual se encuentran en
el Happening, el Performance, el Body Art y el Land art. Un Happening es una
obra de arte que lleva consigo la participación de las personas (forma teatral
concebida premeditadamente) y objetos dentro de un marco o situación dada.
Ligados al Happening se encuentran los Performances, que consisten en acciones
teatrales gestuales realizadas muchas veces por los propios artistas. El Body
art, en donde el cuerpo del artista sirve como medio expresivo y de
manipulación. El Land Art, donde el artista recurre al empleo de materiales
orgánicos o naturales, en oposición a los objetos manufacturados o
industriales.
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